Hace poco menos de un mes escribí esta crítica en una especie de prueba para un periódico local, basta decir que no me escogieron. Sin más, pongo aquí lo que pensé en su momento de esta película, animado por mi fan Patricio Hinojosa, que hace unos videos bien padres que pueden ver aquí. Talvez iré escribiendo más entradas, si es que me lo permite la vida y mis otros proyectos… Bueno, a lo que vamos.

Todavía Marvel tiene unos cuantos trucos qué aprenderle a Christopher Nolan. Si bien “The Avengers” nos da casi todo lo que buscamos de una cinta de superhéroes, cualquier espectador un poco más exigente o no familiarizado con el mundo de los cómics y referencias de las películas que en los últimos años sirvieron para llegar a ésta, debería demandar un poco más de desarrollo de los personajes que ve en la pantalla, sobre todo cuando la nueva saga de Batman ha puesto la vara tan alta.

Lo que hace muy bien el director Joss Whedon, con más experiencia en televisión que en cine, es coordinar los tiempos, el humor y la acción para que se nos olvide lo poca dimensión de muchos personajes, pero sobre todo de un villano tan poco respetable como lo es Loki, que ni siquiera funcionó en la película del año pasado sobre el dios del trueno. Con un objetivo tan simplista como el de dominar la Tierra, el semidios y hermano de Thor pretende controlar una especie de material radioactivo que los norteamericanos y su grupo especial S.H.I.E.L.D. quieren utilizar para generar cantidades inagotables de energía.

La fórmula es sencilla: se empieza localizando a nuestros superhéroes y presentando sus problemas personales, enseguida viene una esperada lucha de egos para luego llegar a la parte más potente y sólida de la película, una batalla épica de una media hora de duración en la cual Hulk, Iron Man, Thor, Capitán América y compañía logran salvar a muchos oficinistas y meseras neoyorquinas de Loki y su séquito de extraterrestres.

Batalla mata personajes, pero Batman todavía se echa a todo Marvel.

Digamos que un 7 de 10.

Aquí el Top 10 de lo que vi este año:

Catfish (2010), Henry Joost & Ariel Schulman – Talvez el documental más impactante y humano que he visto en mi vida. Empieza como algo pequeño, una historia inusual pero bonita para terminar como un estudio patológico muy íntimo y sorprendente. Existe la duda de si es real o no, lo cual algo lógico, porque los cineastas corren con muchísima suerte. Alguien me la recomendó en Twitter.

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Mary and Max (2009), Adam Elliot – Co-producción australiana-estadounidense de animación en stopmotion. Tan triste como increíblemente bella, además de estar basada en la vida real, en uno de aquellos sucesos extraños en los que una niña australiana de 8 años se hace amiga por correspondencia de un señor judío en sus cuarentas que vive en Nueva York. Me afectó por motivos personales. La conocí porque Rous hizo una crítica de la película para este sitio.

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Red Social (2010), David Fincher – Uno de los fenómenos del año pasado. Un potente biopic que concierne a las nuevas generaciones, a todo este mundo virtual, a los millones que usamos Facebook para interactuar, para conocer, para mantenernos al tanto o para lo que sea. La perspectiva desde adentro, el surgimiento de un joven multimillonario hoy líder de las redes sociales, la vorágine del éxito y demás temas, todo con una actualidad sin igual. Justin Timberlake nunca ha hecho algo mejor.

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A Serious Man (2009), Ethan Coen & Joel Coen – La película de los hermanos Coen que más me ha impresionado, aunque no sé si la que más me gusta. Aquí se toman riesgos muy grandes y la historia es más autobiográfica que nunca. Creo que es como una “American Beauty” judía, con un poco más de humor ácido, situaciones genialmente planteadas para la comedia y un final sorpresivo, que deja al espectador en un punto muy, muy alto.

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Las Noches de Cabiria (1957), Federico Fellini – Una de las primeras películas que vi para el blog y que meses después presenté como programador invitado en Videodromo. Me dio gusto compartir esta película tan importante con tanta gente, la pequeña sala estaba llena y al final todos parecían haberse llevado algo del personaje interpretado por Giuletta Masina, una actriz sin igual.

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Volver (2006), Pedro Almodóvar – Sin duda mi película favorita del director español, superando a “Hable con ella”. Poderosísima, conmovedora y con muchos elementos muy bien ideados, originales y potentes que mezclan el realismo mágico con el drama, sin olvidar unos sutiles puntos cómicos con los que Almodóvar parodia a su propia gente. Simplemente sorprendente.

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Memories of Murder (2003), Joon-ho Bong – Para mi sorpresa, este año no me tocó ver muchas buenas películas de origen oriental, siendo que normalmente es un cine que me gusta mucho y que lleva una buena racha. Este filme es anterior a la popular “The Host”, y tiene en verdad un gran ingenio para mezclar comedia en un thriller acerca del que se cree que es el primer asesino en serie en Corea del Sur, un caso para el cual se entrevistaron a más de 3,000 sospechosos.

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Scott Pilgrim vs. the World (2010), Edgar Wright – La película más pop de la lista junto a “Red Social”, y sin duda la más cool. Con un Michael Cera consagrado, la película está repleta de energía y cargada de buena música, grandiosos efectos de sonido y visuales emulando el mundo de los videojuegos, por lo que resultará especialmente atractiva para un público joven, fanáticos de los cómics, videojuegos arcade y el rock Indie. Ver en una buena pantalla y con buen sonido es obligatorio.

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En Brujas (2008), Martin McDonagh – Entre tanta película sobre gángsters y matones, finalmente una destaca por algo más que su estilo. Centrada en dos personajes muy carismáticos y a la vez opuestos, la cinta se va por otro lado, sacándole la vuelta a los balazos y poses para presentar un entramado mucho más complejo, humano y, a final de cuentas, bonito, gracias a que el filme está situado en una de las ciudades europeas más encantadoras. Talvez el mejor papel de Colin Farrell en toda su carrera, definitivamente le queda mejor actuar de tonto o tímido.

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Cochochi (2007), Israel Cárdenas & Laura Amelia Guzmán – La única cinta mexicana en hacerla a mi Top 10, y además es co-dirigida por un regiomontano. Con un estilo muy europeo y una narrativa algo oriental, tan simple y pequeña como las de Abbas Kiarostami y tan estéticamente perfecta como “Luz Silenciosa”, de Carlos Reygadas. Un honesto y sencillo relato situado en la sierra de Chihuahua, un regalo al cine de nuestro país.

Akira Yamaoka, Nino Rota, Aphex Twin, The Ramones, John Williams, Lou Reed, Michael Nyman, Nine Inch Nails, Howard Shore, Aretha Franklin, Ennio Morricone, Angelo Badalamenti, Joe Hisaishi, Philip Glass, Yann Tiersen, Vangelis, Aimee Mann, Nico, Bernard Hermann, Jan A.P. Kaczmarek, Regina Spektor, Metric, Pixies, Björk, The RZA, Nina Simone, Bobby Vinton, Jim Carrey, Vincent Gallo, Gabriel Yared, Jack White, Wendy Carlos, Daft Punk, Chantal Goya, Henry Mancini, Thomas Newman, Elliot Goldenthal, Bob Dylan, Danny Elfman, Gipsy Kings… Bueno, you get the picture. Enjoy and share!

Hace un par de días fue mi cumpleaños, y con la llegada de esa fecha terminó oficialmente este reto, así como mi suscripción gratuita a Videodromo. No pude llegar a las 365 críticas, aunque para mí casi a mitad de año estuvo claro que sería algo realmente difícil de lograr.

Hoy entrego 250 críticas de 250 películas hechas en 365 días, además de unos pocos artículos especiales. Hubo pocas pero buenas críticas de invitados, 321 comentarios (contando mis respuestas), 477 miembros del grupo de Facebook, 451 seguidores en Twitter y cerca de 20,000 visitas (aquí sí no cuentan las mías), pero sobre todo, me quedo con un gran aprendizaje y muchos buenos momentos frente a la pantalla. El año que recién termina para mí fue uno muy completo, lleno de emociones y trabajo. Me mudé a vivir solo, adopté un perro, gané una beca para producir un documental, tuve 3 exposiciones de fotografía y 2 de video; realicé dos pequeños roadtrips por México para conocer un par de lugares espectaculares, y finalmente tuve muchos proyectos free-lance como fotógrafo o cineasta, algunos muy interesantes. No me puedo quejar y estoy muy agradecido con todos los que formaron parte de todo esto.

Arranco este nuevo año en mi vida con diferentes prioridades, aunque el proyecto 365diasdecine.com se mantendrá hasta que termine las 365 críticas, ahora sin presión de tiempos. Podré dormir en mi cama en vez del futón frente al televisor y retomar otros proyectos. Cuando llegue al número mágico de 365 les contaré qué pienso hacer con este sitio y los invitaré a una fiesta que tengo ganas de hacer. Por lo pronto, a seguir disfrutando del séptimo arte.

¡Gracias a todos los que leen esto, espero seguirlos viendo por aquí!

– Adrián Gutiérrez

www.adriangutierrez.net

Banksy

Someone is trying to mess with our brains

Alguien está intentando joder con nuestra cabeza. Su nombre es Thierry Guetta, quien se hace llamar artísticamente “Mr. Brainwash”. Guetta es un francés que, a su llegada a Los Ángeles a finales de los 90’s, puso una tienda de antigüedades. Resulta que este peculiar personaje grababa todo con su cámara, más a manera de obsesión que de hobby, y así, casi por accidente, un día se vio convertido en el encargado registrar en video todo lo que ocurría en el mundo del arte urbano en el transcurso de varios años, con la excusa de estar, supuestamente, planeando hacer un documental con el material recabado.

Un buen día, y tras una larga espera, el más importante, reconocido y revolucionario artista urbano de todos los tiempos, el misterioso inglés que trabaja bajo el pseudónimo de Banksy y del cual muy pocos conocen su verdadera identidad* (por razones de seguridad, principalmente), llega a Los Ángeles, y el encargado de ayudarlo a pintar y colocar stencils, prints y demás por la ciudad es Thierry, todavía en su papel de documentalista. El resultado de tal relación lleva al francés a convertirse en artista luego de que como cineasta, según palabras del mismo Banksy, es pésimo. Sinceramente, tampoco el trabajo que a final de cuentas realiza el inglés tiene una forma demasiado fuera de lo común, y si no fuera por la presencia de éste mismo, así como los dilemas que plantea a través de los diferentes personajes que presenta, éste sería un documental más o menos común y corriente.

Lo verdaderamente interesante es que entre todo esto ha surgido inminentemente la teoría de que Thierry Guetta es un personaje falso, un alterego, una broma más de Banksy, cuya principal característica es ser transgresor. MBW o Mr. Brainwash representa todo lo que está mal en el arte, todo lo que puede estar mal las ideas básicas del arte urbano convirtiéndose en un producto de moda, fabricado en serie y vendido a precios de pieza única e irrepetible por variaciones mínimas y estúpidas, de ahí el excelente y acertado título del documental. Su éxito podría ser la broma más grande de la historia del arte, convirtiendo a Banksy en el Dalí de nuestros tiempos. ¿Estará intentando darnos una lección?

Los cinéfilos, medios especializados y demás gente relacionada con el séptimo arte se encuentran muy a la defensiva en relación a los documentales el día de hoy, tratando de desmentir historias como “Catfish” luego de que “I’m Still Here” engañara a unos cuantos. Yo creo que Banksy está detrás de todo esto, así que tiene todo mi respeto y admiración por este y muchos motivos más. En el cine, como en el arte, no existe tal cosa de “no hagas nada buenoo que parezca malo ni nada malo que parezca bueno”.

9 de 10.

* Su verdadero nombre, según diversas fuerntes, es Robin Gunningham. Hace unos días, su verdadera identidad estaba siendo subastada en eBay hasta que la compañía removió la oferta, que había llegado al límite de $999,999 dólares.

Todd Solondz

Las mismas obsesiones, diez años después

Fui el día de ayer a la Cineteca y me la pasé muy bien. Mis palomitas, mi refresco y mi hotdog me costaron en total 45 pesos, y el boleto otros 40. Fuera de que las butacas no tienen para poner los vasos y la copia de la película por momentos mostraba cierto deterioro, todo lo demás fue bastante agradable, hasta la presencia de una chica hermosa en la sala, una desconocida que creo haber visto antes. Digo todo esto porque iba con la idea que ver un filme de Solondz es echar la mano al aire. Te puede tocar una película divertida como “Happiness” o una sumamente malviajante como “Palíndromos”.

Precisamente este filme retoma de cierta manera a los personajes que vimos en “Happiness” para perpetuar su sufrimiento un rato más, aunque de forma algo entretenida. El director sigue buscando el origen de su obsesión por la sexualidad (más específicamente el incesto y la pedofilia) y finalmente parece haberlo encontrado esta ocasión, dando en pantalla y a través de escenas fuertes, interesantes y hasta cierto punto graciosas, las explicaciones que pudieron faltar (o no) en sus filmes anteriores.

Este tipo de filmes de Solondz me recuerdan un poco tanto a cintas de Woody Allen por sus personajes obsesivos y la forma en que estos están presentados, otras de Noah Baumbach por casi los mismos motivos, aunque enfocado más bien a tramas familiares, y en el caso de “Life During Wartime”, a una de las obras maestras de los hermanos Coen, “A Serious Man”. Supongo que algo tendrá qué ver que todos son judíos.

“Life During Wartime” presenta un entramado familiar en el cual cada uno tiene certezas, miedos y obsesiones casi en la misma dosis. Está la madre que intenta proteger a su hijo del trauma que le puede generar a éste el saber que su padre es un pedófilo convicto, está la mujer frágil que se pone en pie de cañón con un novio exconvicto depresivo, pervertido y suicida, y finalmente está la escritora exitosa, paranoica y ególatra que se está follando a Keanu Reeves. Las tres hermanas intentan hacer sus vidas, hasta cierto punto aspirando a la normalidad, como el punto más alto al que pueden aspirar después de tantos años tormentosos llenos de malas decisiones.

Algunos personajes resultan muy molestos, seguramente a propósito. Pero el guión imprime varios momentos cargados de ingenio para la ironía, la parodia humana y la sátira social, que sin duda enriquecen mucho el filme y lo hacen algo digno de ver.

8 de 10.

Steven Spielberg

Película perfecta en su género

No sé qué cosas nuevas o diferentes pueda decir yo acerca de esta película y que no hayan leído, escuchado o pensado antes. “Jurassic Park” llegó a mi vida cuando yo tenía 9 años, y me parece que es la única película que he visto 3 veces en el cine. En aquel momento me maravillé viendo a los dinosaurios cobrar vida ante mis ojos, y hoy no puedo decir algo diferente.

Si “Alien” es una película perfecta en los géneros de terror y ciencia ficción, “Jurassic Park” es lo mismo para la acción y la aventura. Antes de ser arruinadas por sus desastrosas secuelas, ambas presumieron unos efectos especiales sin igual, a tal punto que hoy por hoy a ninguna de las dos se le pueden encontrar defectos en ese rubro.

En mi más reciente visita al parque, me quedé con la impresión de que la película duró menos de lo que yo recordaba, lo cual es una lástima. Pero el filme cuenta con grandes aciertos, aquellos que sí nos hacen ver por qué la figura de Steven Spielberg es respetada en el medio a pesar de otros bodrios que el director ha presentado.

Partiendo del objetivo de hacer un cine espectacular y a la vez entretener a toda la familia, se introducen las clásicas subtramas en personajes con cierta línea de comportamiento apoyadas por frases denominadas “latiguillos” (catch phrases, pues). La trama, que por supuesto no me tomaré el tiempo de sintetizar, siempre está presentándonos nuevas cosas, vertientes, retos o  problemas, convirtiendo a la película en una verdadera montaña rusa de acción, persecuciones, suspenso, aventuras y planteamientos, todo acompañado y fortalecido por la genial y espectacular música de John Williams, sin la cual la cinta no sería la misma. Al final del recorrido, uno tiene la idea de haberse quedado con algo, de que la historia nos intentó transmitir una idea, y aunque la conclusión sea obvia, eso es mucho más de lo que se puede decir de muchas películas del género.

Nunca olvidaré esta película, sobre todo la primera escena en la que finalmente vemos a un dinosaurio levantarse en sus patas traseras para comer de la copa de un árbol. Estoy seguro que algunos de ustedes tampoco. Por eso gracias, Spielberg.

9 de 10.

Joe Berlinger, Bruce Sinofsky

Las oscuras entrañas del monstruo del metal

Hace mucho que no sentía lo que sentí al ver este documental. Hace años que no escuchaba Metallica, y con la edad la música que ha llegado a mi vida poco a poco se ha vuelto más tranquila, calmada, reflexiva o, en otros casos, más avocado hacia lo electrónico e Indie. Pero alguna vez fui muy fan de esta emblemática y legendaria agrupación, tocaba sus canciones, compraba sus videos, batallaba en intentar aprenderme sus solos y demás. Por eso, al ver “Some Kind of Monster” con un buen sistema surround (es importante escucharlo bien, pues) mi fuero interno se llenó de una energía que sólo puede brindarme cierto tipo de música, y que había olvidado.

Por allá de 1994, un par de documentalistas lograron obtener licencia por parte de Metallica para usar sus canciones en un filme sobre unos jóvenes que habían sido acusados de asesinatos, siendo ésta la primera vez que el grupo permitía este tipo de uso para su música. 10 años después, los mismos cineastas estrenarían el resultado de horas, días y meses de disección y estudio del monstruo del metal, el cual pasaba por, quizás, la más fuerte de sus crisis, tras la salida del bajista Jason Newsted. El grupo tuvo que someterse, a recomendación de su disquera, a una especie de terapia grupal buscando una “rehabilitación”, ya que ya ni siquiera disfrutan tocar juntos y la nueva dinámica que han decidido seguir para la composición de su nuevo disco parece estar generando más tensiones que resultados.

Poco a poco, la personalidad de cada quien va saliendo a flote mientras individual o grupalmente afrontan problemas desde falta de creatividad hasta el alcoholismo del vocalista James Hetfield (motivo principal por el que la grabación del álbum tuvo qué suspenderse momentáneamente), problemas de logística, de egos, de pelea por el control de la banda, de tedio, de perder a su bajista y hasta aquella pelea que el grupo, liderado por Lars Ulrich, tuvo contra Napster. El documental, y la terapia misma, eventualmente los lleva a replantear Metallica, y en el proceso se hace un recuento de todo lo que el grupo ha vivido durante su existencia, hasta el momento en el que Ulrich se encara, después de muchos años, con el exguitarrista Dave Mustaine, fundador de Megadeth. A final de cuentas, la vorágine generada por la presión de pertenecer a un grupo de semejante envergadura parece hacer mella en todos y cada uno de ellos, pero principalmente en Hetfield, que específicamente dice sentirse drenado completamente por las consecuencias inminentes de pertenecer a Metallica.

El documental tiene momentos muy fuertes, potentes, llenos de energía, ira y emociones básicas en estados puros. El estar ahí adentro presenciándolo todo es sorprendente, y no por nada se planteó varias veces la idea de cancelar el proyecto del documental, pues la línea de la intimidad está totalmente borrada, algo que, sin duda, para los espectadores, resulta lo más interesante del filme.

9 de 10.

Jean-Pierre Jeunet

Tiene los colores, le falta la magia

Uno pensaría que la gran mayoría de los franceses tienen una gran afición por el clown, los circos, las acrobacias y ese tipo de artes y espectáculos. Lo cierto es que Jean-Pierre Jeunet tiene desde hace rato ya un estilo consagrado y reconocible que demuestra que el punto que acabo de mencionar.

En “Micmacs”, talvez más que en cualquiera de sus anteriores películas, el realizador de “Amélie”, “Alien Resurrection” y “Delicatessen”, cuenta su historia con personajes muy caricaturizados que parecen haber salido de un espectáculo de circo. Dany Boon es Bazil, un hombre un tanto anormal y torpe sólo en apariencia que tras recibir un balazo en la frente pierde su trabajo y queda en la calle. Entonces conoce a una pequeña comunidad de extraños personajes que se dedican principalmente a reciclar basura y crear cosas inusuales con ella. Muy pronto en la historia Bazil entiende que su misión en la vida es vengarse de las dos compañías de armamento responsables de la bala que ahora quedó encarnada en el interior de su cabeza y la mina que mató a su padre.

Lo malo es que Jeunet llevaba “a very long absense” de las pantallas tras su cinta del 2004, y “Micmacs” no parece llenar el vacío que había dejado. Aún con toda la mano y estilo de su director, la cinta trata de una manera muy ligera a sus personajes, centrándose más en la forma en la que la venganza se va llevando a cabo, paso por paso. A veces sólo les falta utilizar aparatos marca Acme, aunque talvez esté exagerando un poco… Sin embargo, ni la trama ni los personajes logran tener la magia que sí tenían otros desarrollados por el mismo director.

7 de 10.

John Erick Dowdle

No es otra tonta película de M. Night Shyamalan (bueno, sí lo es)

Debo confesar que hace rato que quería usar este título para una crítica, pero tuve que esperar hasta el momento en el que no tuviera que pagar un solo centavo por ver este filme del cual realmente tenía muy malas expectativas.

Para los guiones de M. Night Shyamalan hay qué aplicar la siguiente regla: imaginarse el final más inesperado. Como dicen muy atinadamente los de College Humor en un video/sketch (muy recomendado) que parodia de espléndida manera al director hindú, sus películas están basadas en puntos de giro en el argumento, y desde hace rato que éstos APESTAN. Lo que comenzó como una carrera muy pero muy prometedora con títulos como “El Sexto Sentido”, “Unbreakable” y hasta “The Village” (la cual yo sí defiendo) para luego caer en picada en el último lustro.

En esta ocasión es el director norteamericano John Erick Dowdle el encargado de traducir un guión de Shyamalan (co-escrito con Brian Nelson) a la pantalla de cine. El también realizador de la versión estadounidense de “Rec” hace lo que puede con lo que tiene a la mano, y en cierta manera se sale con la suya entregando una película medianamente entretenida con los factores de suspenso tipo “Saw” y similares, confinando a una serie de personajes a un espacio cerrado y claustrofóbico, en este caso un elevador, en el cual poco a poco sacarán sus verdaderas personalidades.

Se echa de menos el ingenio que Shyamalan, hoy batido contra las cuerdas, imprimía en sus primeras obras. Hoy todo es muy claro, evidente o simplemente absurdo.

6 de 10.